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ARTE ARGENTINO: "La vuelta del malón", autor Della Valle, Ángel .
Este magnifico óleo argentino lo podes apreciar en la sala 24 del MNBA argentina.

Pintado con el expreso propósito de enviarlo a la exposición universal con que se celebraría en Chicago el cuarto centenario de la llegada de Colón a América, el cuadro fue exhibido nuevamente en Buenos Aires ese mismo año en la exposición preliminar del envío a Chicago. En la Exposición Colombina obtuvo una medalla (de única clase) y al regreso se exhibió nuevamente en Buenos Aires, en el segundo Salón del Ateneo en 1894.
Fue la obra más celebrada de Della Valle. Presentaba por primera vez en las grandes dimensiones de una pintura de salón una escena que había sido un tópico central de la conquista y de la larga guerra de fronteras con las poblaciones indígenas de la pampa a lo largo del siglo XIX: el saqueo de los pueblos fronterizos, el robo de ganado, la violencia y el rapto de cautivas. En el manejo de la luz y la pincelada se advierte la huella de la formación de Della Valle en Florencia: no solo el aprendizaje con Antonio Ciseri sino también el conocimiento de los macchiaioli y los pintores del Risorgimento italiano. Algunos críticos lo vincularon con los grandes cuadros de historia del español Ulpiano Checa que se había hecho famoso por sus entradas de bárbaros en escenas de la historia de España y del imperio romano. Sin embargo, el cuadro de Della Valle entroncaba con una larga tradición no solo en las crónicas y relatos literarios inspirados en malones y cautivas, sino también en imágenes que, desde los primeros viajeros románticos europeos que recorrieron la región en la primera mitad del siglo XIX, representaron cautivas y malones. En la década de 1870 Juan Manuel Blanes había realizado también algunas escenas de malones que aparecen como antecedentes de esta obra. Casi ninguna, sin embargo, había sido expuesta al público ya que tuvieron una circulación bastante restringida. La vuelta del malón fue, entonces, la primera imagen que impactó al público de Buenos Aires referida a una cuestión de fuerte valor emotivo e inequívoco significado político e ideológico.
Según refiere Julio Botet, a partir de una entrevista al artista en agosto de 1892, el asunto del cuadro se inspiraba en un malón llevado por el cacique Cayutril y el capitanejo Caimán a una población no mencionada. Otro comentario (en el diario Sud-América) ubicaba el episodio en la población de 25 de Mayo. Pero más allá de la anécdota el cuadro aparece como una síntesis de los tópicos que circularon como justificación de la “campaña del desierto” de Julio A. Roca en 1879, produciendo una inversión simbólica de los términos de la conquista y el despojo. El cuadro aparece no solo como una glorificación de la figura de Roca sino que, en relación con la celebración de 1492, plantea implícitamente la campaña de exterminio como culminación de la conquista de América.
Todos los elementos de la composición responden a esta idea, desplegados con nitidez y precisión significativa. La escena se desarrolla en un amanecer en el que una tormenta comienza a despejarse. El malón aparece equiparado a las fuerzas de la naturaleza desencadenadas (otro tópico de la literatura de frontera). Los jinetes llevan cálices, incensarios y otros elementos de culto que indican que han saqueado una iglesia. Los indios aparecen, así, imbuidos de una connotación impía y demoníaca. El cielo ocupa más de la mitad de la composición, dividida por una línea de horizonte apenas interrumpida por las cabezas de los guerreros y sus lanzas. En la oscuridad de ese cielo se destaca luminosa la cruz que lleva uno de ellos y la larga lanza que empuña otro, como símbolos contrapuestos de civilización y barbarie. En la montura de dos de los jinetes se ven cabezas cortadas, en alusión a la crueldad del malón. En el extremo izquierdo se destaca del grupo un jinete que lleva una cautiva blanca semidesvanecida, apoyada sobre el hombro del raptor que se inclina sobre ella. Fue este el fragmento más comentado de la obra, a veces en tono de broma, aludiendo a su connotación erótica, o bien criticando cierta inadecuación del aspecto (demasiado “civilizado” y urbano) de la mujer y de su pose con el resto de la composición.
La vuelta del malón fue llevada a la Exposición Colombina de Chicago por el oftalmólogo Pedro Lagleyze, amigo del artista, en medio de la desorganización y dificultades que rodearon ese envío oficial. Fue exhibida en el pabellón de manufacturas, como parte del envío argentino, junto a bolsas de cereales, lanas, cueros, etc. Los pocos comentarios que recibió se refirieron a la escena representada como una imagen de las dificultades que la Argentina había logrado superar para convertirse en una exitosa nación agroexportadora.
Ángel Della Valle pintó una versión reducida de La vuelta del malón para obsequiar a Lagleyze al regreso. Conocida como “malón chico” ha sido con frecuencia tomada por un boceto. También pintó más tarde algunos fragmentos aislados de su gran tela: el grupo del guerrero y la cautiva y el indio que enarbola la cruz.
Della Valle había comenzado a pintar cuadros de tema pampeano durante su estadía en Florencia. En 1887 envió a Buenos Aires varias obras, entre las que pudo verse un indio a caballo (En la pampa) y La banda lisa, que aparecen como tempranas aproximaciones al tema de La vuelta del malón.
La pintura fue solicitada por el director del MNBA, Eduardo Schiaffino, a la familia del artista tras su muerte en 1903; esta optó por donarla a la Sociedad Estímulo de Bellas Artes con el cargo de su venta al MNBA a fin de instituir un premio anual de pintura denominado “Ángel Della Valle”




 

ARTE.De la serie "UNIVERSO Y VIDA", 2014.
Autor: Michael Aguaron.
OBRA: "Colisión de hadrones" óleo s/t 60x40 un "mini-Big Bang" choque de iones

El calor generado por la colisión de iones de plomo fue mayor al que se produce en el núcleo del Sol.

El Gran Colisionador de Hadrones consiguió crear un "mini-Big Bang" a través del choque de iones de plomo en lugar de protones.

Científicos que trabajan en la enorme máquina, ubicada en la frontera franco-suiza, alcanzaron las condiciones únicas el 7 de noviembre.
El experimento creó temperaturas un millón de veces más calientes que el centro del sol. El Gran Colisionador de Hadrones funciona en el interior de un túnel circular de 27 kilómetros de largo.
Hasta ahora, el mayor acelerador de partículas del mundo -que es administrado por la Organización Europea de Investigación Nuclear (CERN) - ha hecho colisionar protones, en un intento por descubrir los misterios de la formación del Universo.
Las colisiones de protones podrían ayudar a detectar la esquiva partícula denominada bosón de Higgs, así como los signos de nuevas leyes físicas, tales como la llamada supersimetría.

De esta manera, esperan aprender más sobre el plasma del que el Universo estaba compuesto una millonésima de segundo después del Big Bang, hace 13,7 millones de años.
Uno de los aceleradores experimentales, ALICE, fue específicamente diseñado para hacer impactar iones de plomo.
 La colisión de iones de plomo generó un plasma parecido al que se produjo poco después del Big Bang.

"Este proceso tuvo lugar en un lugar seguro, un medio ambiente controlado, generando mucho calor y densas bolas de fuego subatómicas con temperaturas sobre los diez billones de grados, un millón más caliente que el que se experimenta en el núcleo del Sol.

La colisión de iones de plomo generó un plasma parecido al que se produjo poco después del Big Bang.

"A estas temperaturas incluso protones y neutrones, que forman el núcleo del átomo, se derriten resultando en una densa sopa caliente de quarks y gluons como un plasma de las dos materias unidas".
Quarks y gluons son partículas subatómicas, bases de la materia. En el estado conocido como quark-gluon plasma, son liberados de su atracción. Este plasma se cree que existió justo después del Big Bang.

 

Alemania celebró 25 años de la caída del Muro de Berlín

Miles de alemanes conmemoran a quienes ayudaron a derrocar la dictadura y a reunificar el país. "Duró mucho tiempo y mucha gente tuvo que sufrir", señaló la canciller Angela Merkel

 Berlín empezó el domingo a celebrar el 25º aniversario de la caída del Muro con una fiesta popular y un homenaje a todos aquellos que, el 9 de noviembre de 1989, hicieron caer la dictadura del este alemán.

La jornada empezó con una misa en la Capilla de la Reconciliación construida en la "Franja de la Muerte", que separaba las dos paredes del Muro. Le siguió una ceremonia oficial del gobierno alemán, muy breve, que reunió bajo el cielo gris y un frío penetrante a unas decenas de personas.
Representantes de movimientos civiles tomaron la palabra, mientras la canciller alemana, Angela Merkel, y otros participantes clavaron rosas en los vestigios del Muro, en recuerdo a los alemanes del este que murieron tratando de huir de la RDA.
"Duró mucho tiempo y mucha gente tuvo que sufrir, antes de que fuera posible abrir el Muro", comentó ante los periodistas la canciller, que creció en la ex RDA y cuya carrera política comenzó gracias a los acontecimientos de hace 25 años.

Más de un millón de visitantes alemanes y extranjeros  en Berlín este fin de semana, para conmemorar el evento que puso fin a la Guerra Fría y permitió la Reunificación de Alemania y de Europa, según estimaciones del organismo de turismo Visit Berlin.
Miles de entre ellos recorrieron hasta entrada la noche 15 km por los que se prolongaba el Muro, un itinerario decorado desde el viernes con 6.900 globos luminosos.
Algunos de ellos llevaban lámparas frontales para seguir la senda del Muro, que rodeaba Berlín Oriental, haciendo de él una isla en el corazón de la RDA.

El despegue a las 19.15, hora local (18.15 GMT) de esta "Frontera de luz", como se llama el proyecto de globos, al son de la Oda a la Alegría de Beethoven,dirigida por el argentino maestro Baremboin himno de la Unión Europea, constituirá un momento álgido de las conmemoraciones.
Al alba, Benjamin Nemerofsky, un artista canadiense de 41 años que vive en Berlín desde 2001, recorrió este muro de globos. "La caída del Muro cambió muchas cosas en Europa, en Alemania y en Berlín", comentó. "Es una ciudad en la que se puede ver la historia del siglo XX en cada rincón 

 Tradicional visitante de Berlín cada 9 de noviembre, el último dirigente de la URSS, Mijail Gorbachov, de 83 años, considerado una gran figura de la reunificación alemana, estimó el sábado en una mesa redonda que el mundo estaba "al borde de una nueva Guerra Fría". "Algunos dicen que ya empezó"

El 9 de noviembre de 1989, después de semanas de manifestaciones masivas de alemanes del Este reclamando más libertad, el régimen comunista anunció por sorpresa que sus ciudadanos podrían viajar al extranjero a partir de ese momento.
Unas horas más tarde, los guardias fronterizos de Berlín Este abrían el Muro.

ARTE
El rugido del SOL"m óleo s/t.40x60.De la serie"Universo y vida", 2014.
Una vez mas nuestro Sol ha sido activado a proporciones cuanticas tal cual como lo habia pronosticado meses atras. Exactamente hace dos meses y 3 semanas atras que comenzaron a suceder una serie de eventos astronomicos que no coincidian entre si desde hace miles de años.
El día 18 de Junio (segun el calendario Maya) fue que comenzó el Festival de Águilas y Jaguares.   El 31 de agosto del 2012 el campo magnético del Sol levantó una gran cantidad de plasma supercaliente al espacio a 1.400 kilómetros por segundo. El plasma formó un arco de 300.000 kilómetros, unas 25 veces más grande que la Tierra.
 El 4 de enero, ocurrió un importante fenómeno astronómico: la Tierra y el Sol estuvieron a la menor distancia posible de todo el año 2014, unos 147 millones de kilómetros, se informó a AIM desde el Planetario de San Luis. 
 Éste acercamiento astronómico llamado perihelio ocurrirá debido a que el desplazamiento anual de la Tierra alrededor del Sol no traza una trayectoria circular perfecta -en cuyo caso siempre estaría a la misma distancia-, sino una órbita elíptica.
El tipo de órbita terrestre también provoca que todos los años la Tierra y el Sol encuentren su mayor distancia posible, situación que ocurrió el pasado 5 de julio, rondó los 152 millones de kilómetros, conocida como afelio. Cabe mencionar que la diferencia de distancia entre el afelio y el perihelio es de aproximadamente 5 millones de kilómetros y representa alrededor de 13 veces la distancia que existe entre Tierra y Luna.
Ver el video que publico la NASA:  http://youtu.be/HFT7ATLQQx8

Primer premio nobel a un argentino fué para el canciller argentino Carlos Saavedra Lamas, premio Nobel, 1936.
 Subastan medalla del canciller argentino Carlos Saavedra Lamas, premio Nobel, 1936.
 1936 - Nobel Peace Prize Award Medal - Gold - 65 mm - 222.4 gr - 23 karat 

Cuatro coleccionistas pujaron fuertemente por la medalla en la subasta celebrada en Baltimore, Maryland, el 27 de marzo de 2014, llevando el precio definitivo por encima de la estimación de preventa de hasta 100.000 dólares.

La medalla que el canciller argentino Carlos Saavedra Lamas recibió en 1936 como premio Nobel de la paz fue vendida por U$S 1,116,250 a un coleccionista privado de Asia, dijo la casa de subastas Stack’s Bowers.

Es la segunda medalla de ese premio que se vende en una subasta en la historia.

La medalla del Nobel de la Paz de 1903 se vendió por 17.000 dólares en 1985 en una subasta en Londres.

“Es el tipo de trofeo definitivo. Lo llamamos la medalla más famosa del mundo, Esencialmente quien colecciona medallas está coleccionando historia. Obviamente, la historia del siglo XX se escribe muchas veces a través de los ganadores de esta medalla. Esa cuenta la historia de un conflicto sangriento en América del Sur”, dijo John Kraljevich, consultor de Stack’s Bowers.

La medalla de 1936 fue vendida por los herederos de un coleccionista privado de Nueva York, que la tuvo durante una década.




El Nobel se concedió a Carlos Saavedra Lamas, ministro de Relaciones Exteriores de Argentina, por su participación en el final de la Guerra del Chaco entre Paraguay y Bolivia y por su trabajo en el pacto contra la guerra en América del Sur firmado en 1933.

Lamas recibió el Nobel cuando tenía 58 años, fue un político, diplomático y jurista argentino. De ascendencia gallega, era bisnieto del coronel Cornelio Saavedra, presidente de la primera junta de gobierno de las Provincias Unidas del Río de la Plata establecida en 1810.

Fue diputado y ministro de Justicia e Instrucción Pública (1915) y de Relaciones Exteriores (1932-1938), durante la presidencia de Agustín P. Justo.

Como ministro de Relaciones Exteriores presidió la Conferencia de Paz del Chaco en la que participaron Brasil, Chile, Perú, Uruguay y EEUU alcanzándose un acuerdo de armisticio el 12 de junio de 1935 que puso fin a la Guerra del Chaco (1932-1935).

El Pacto antibélico Saavedra Lamas, firmado por 21 naciones, se convirtió en un instrumento jurídico internacional.

Carlos Saavedra Lamas murió en 1959.

1936 - Nobel Peace Prize Award Medal - Gold - 65 mm - 222.4 gr - 23 karat


El 29 de marzo de 2014 la casa de remate Stack’s Bowers Galleries vendió por 1.100.000 dólares la medalla de oro que Carlos Saavedra Lamas recibió en 1936 cuando se convirtió en el primer argentino en ser condecorado con el Premio Nobel de la Paz. La pieza por su valor en metal estaba cotizada en 9.000 dólares, pero su significado histórico lo multiplicó. Nadie sabe bien cuál fue el camino que recorrió la medalla para llegar a subasta. La empresa rematadora argumentó que su dueño era un estadounidense que la había comprado en una oficina de empeños. Meses más tarde hubo un intento desde la Cámara de Diputados para recuperarla, pero no tuvo éxito y parte del patrimonio histórico argentino ahora permanece en manos de un comprador anónimo.

Una lista de objetos perdidos atraviesa a parte del patrimonio cultural argentino. El bastón de mando y la banda presidencial del ex presidente Arturo Frondizi fueron robados de la vitrina del museo de la Casa Rosada en 2009. Cuando notaron que faltaban hicieron la denuncia aunque el robo pudo haber ocurrido meses antes. En agosto de 2007, del mismo lugar, desaparecieron el reloj chalequero y uno de pulsera de oro de los presidentes Nicolás Avellaneda y Agustín Pedro Justo. En el mismo robo desapareció la lapicera de oro de otro ex presidente: Roberto Marcelino Ortiz. En el rubro de piezas históricas robadas también aparece el reloj de Manuel Belgrano, que desapareció del Museo Histórico Nacional.

“Faltan muchas cosas”, dice Abel Ferrino, el investigador del patrimonio cultural y docente de “Tráfico de Bienes Ilícitos de Bienes Culturales”. Según Ferrino, el patrimonio no está protegido. “Es una gran deuda de la democracia: no hay una ley general destinada a preservar el patrimonio”, explica.

Si se hace un “top ten” de las grandes pérdidas del patrimonio nacional las bibliotecas privadas figurarían en la lista como un colectivo. La historia de los libros que han desaparecido parece repetir en un patrón. Los herederos del dueño de los libros los venden como piezas de colección y así ese mundo de lectura con una lógica e historia propia desaparece. Incluso muchos libros están ahora en bibliotecas de otros países.

El arquitecto Daniel Schávelzon, especialista en arqueología urbana y autor del libro “El expolio del arte en la Argentina: robos y tráfico ilegal de obras de arte”, describe a la Argentina como un país vacío en términos de patrimonio.

“Hubo un proceso real de vaciamiento. El tipo de cambio de los últimos años también favoreció para terminar de ‘exportar’ todo lo que quedaba. Si se recorren los remates ya no hay piezas como antes. Muchas de las piezas valiosas del patrimonio argentino están en el exterior. También hubo coleccionistas que se llevaron sus objetos. Ya no es la época de los 90 que hasta había grandes bandas que robaban museos”, explica. La riqueza paleontólogica argentina también fue saqueada. En 2006, el Gobierno logró impedir la venta de cuatro toneladas de fósiles en una de las ferias más importantes en el mundo de la paleontología en Arizona, EE.UU. Después de interponer un pedido a un juez norteamericano se logró repatriar un contenedor repleto de restos paleontólogicos entre los que había huevos de dinosaurios. La trama por la cual semejante cargamento salió de la Patagonia hacia el remate en EE.UU. quedó sin esclarecer. 

En este caso, como en muchos otros, cuando aparecen bienes a la venta es muy difícil que se logre determinar cómo llegaron hasta esas subastas, la mayoría en otros países.

Cuesta imaginarse a una valiosa momia de más de 2.000 años en una encomienda. Pero eso fue lo que descubrieron a través de los escaners empleados de la Aduana en mayo de 2011. El paquete venía desde Bolivia, pero la pieza arqueológica era originaria del sur de Perú y su destinatario, un argentino, que acaba de ser condenado por contrabando a 4 años de prisión, en un caso que quedará en la historia como antecedente de la lucha contra el tráfico ilícito. La sentencia de cumplimiento efectivo fue apelada.  El caso sirvió también para comprobar los rumores que en el mercado del arte se venían escuchando: Argentina se ha convertido en un país de tránsito en el contrabando de bienes sobre todo arqueológicos y paleontológicos hacia Europa y Oriente.

“Las piezas vienen sobre todo de Perú -explica Ferrino-, las más buscadas son las de las culturas Moche y Paracas y las cerámicas eróticas”. En la lógica del mercado ilegal siempre se sabe que estos saqueos son por encargo de coleccionistas o museos que no cumplen con la norma de no comprar bienes de dudoso origen. 

Entre los grandes misterios de la historia del patrimonio cultural argentino ya hay robos célebres. El de la Navidad de 1980 del Museo Nacional de Bellas Artes hasta mereció un documental en la serie “El arte del robo”, que emitió Film&Arts. Mientras en la mayoría de las casas se recuperaban del brindis de Nochebuena, desaparecieron catorce cuadros de autores impresionistas entre los que había de Gauguin, Renoir y Cézanne. La pista de estas piezas se pierde hasta que en 2001 un estadounidense apareció en la rematadora Sotheby´s de Londres con las fotos de los cuadros robados para venderlos. Dos expertos viajaron a Taiwán, donde estaban, y comprobaron que eran auténticos. Argentina intentó recuperarlos pero como no había tratados con la isla la medida quedó en la nada y los cuadros volvieron a desaparecer. Un año después, un taiwanés se presentó con tres de los cuadros robados en París. Esta vez, la Justicia francesa pudo actuar y los recuperó. En 2005 fueron devueltos a Argentina. Del resto nadie sabe dónde están. Pero la causa por el robo se cerró casi inmediatamente: en 1983. La principal hipótesis extrajudicial es que los cuadros se usaron para pagar armas que Argentina no podía comprar a causa del bloqueo internacional a la dictadura militar que gobernaba el país.

Desde aquella época se han sucedido robos y en muchos de ellos han actuado bandas especializadas. Hubo picos de actividad como en 2008 cuando se estimaba que se habían robado bienes patrimoniales por 3 millones de dólares. Una de las características de este mercado ilegal es que la mayoría de las veces los ladrones actúan por encargo. Contra ellos, hay un departamento de Interpol en Argentina dedicado específicamente a este delito y leyes que protegen en particular a los bienes arqueológicos y paleontólogicos como la 25.743 del año 2003, o que regulan el movimiento de las obras de arte, sobre todo con respecto a la salida del país.

De que crezca o no el “top ten” del patrimonio descuidado depende de la voluntad política, señala Schávelzon. El último edificio declarado patrimonio cultural fue el Luna Park y ahí están en Buenos Aires la confitería El Molino que fue declarado monumento histórico en 1997 y se sigue deteriorando día a día frente al edificio del Congreso de la Nación.

“El problema es la concepción que se tiene sobre el patrimonio”, dice Schávelzon. “Su protección no es un gasto superfluo. No terminamos de entender que también sirve para ganar dinero. Muchos argentinos van a Europa a ver su patrimonio como también a México o a Perú”, insiste. La necesidad de una política de Estado, para el especialista lo esconde el gran símbolo de la recuperación del patrimonio de los últimos años: el mural de Siqueiros. La obra del artista mexicano, que estuvo abandonada en unos contenedores hasta que el Estado logró en un proceso judicial recuperarla, se exhibe gratis en el Museo del Bicentenario. Pero, según Schávelzon, los permisos de exhibición están vencidos.

 

El cupido de Miguel Angel

La historia que les relato hoy es del gran genio MiguelAngel Buonarotti, a los 15  años ya había realizado numerosos dibujos copiando obras de Masaccio y Ghirlandaio, estudiadola obra del escultor Bertoldo di Giovanni y ejecutado obras como La Batalla de los Centauros o La Virgen de la Escalera.

Así, poco a poco, su arte fue admirado por sus contemporáneos, y alguno que otro pretendió ’sacar tajada’, como un anticuario romano que vendió un Cupido Durmiente del artista haciéndolo pasar por una escultura de la antigüedad clásica.La historia comenzo así Lorenzo di Pierfrancesco de Medici fue uno de los miembros de la famosa familia italiana en su época gloriosa, el Renacimiento, Lorenzo después de contemplar una escultura de Miguel Ángel que representaba un Cupido durmiente,  le comentó al artista: “Si consiguierais darle un aspecto tal que pareciera haber estado enterrado mucho tiempo, yo podría enviarlo a Roma, donde lo tomarían por antiguo y podrías venderlo mucho mejor”.Ya conocen ustedes la fascinación por el arte clásico, romano y griego, que caracterizó al Renacimiento italiano. Por lo tanto, si una obra buena valía una buena cantidad. Esta conversación  ocurrió antes de que Miguel Ángel fuera un artista consagrado y reconocido. Ya tenía cierto nombre, pero sus trabajos no eran aún destacado. Por cierto, recordemos que alcanzó ese máximo nivel con poco más de 20 años.
Miguel Ángel accedió a hacer la prueba. Envejeció la escultura enterrandola  cubierta con estiércol y en un tiempo la pieza tomo el aspecto de vejez  y la envió a Roma para venderla como una pieza clásica. En la ciudad vaticana un anticuario llamado Baldassare del Milanese vendió la obra como procedente de un descubrimiento arqueológico al cardenal Rafaele Riaro. El cardenal  Rafaele Riaro era un hombre que vivia comprando obras de arte, tal es asi que tenia salones repletos de obras de la época,. Cuando el cardenal vio la obra le gusto y  pagó 200 ducados por la misma.
El anticuario Baldassare era un hombre del oficio , muy observador con cada pieza que le interesaba  porque detectó el pequeño timo de Buonarroti.Y por esa razón sólo le envío 30 ducados solamente. Miguel Ángel se dio cuenta de que había sido descubierto y no se quejó de aquellos pocos ducados recibidos por su trabajo. Después de un tiempo también el propio cardenal se enteró de la verdadera procedencia de su Cupido. El eclesiástico envió a uno de sus ayudantes a visitar a Miguel Ángel a Florencia para hablar sobre el tema.
El mensaje para Miguel Ángel era el siguiente. Si un artista tan genial como para ser capaz de imitar así a los clásicos deseaba viajar hasta Roma y trabajar allí, el cardenal lo acogería en su palacio. Y así fue como Miguel Ángel tomó el camino del sur y viajó a la ciudad vaticana, donde comenzaría su impresionante carrera con la eterna Piedad
 El Cupido durmiente, es una obra desaparecida, realizada en mármol por Miguel Ángel de tamaño natural en el año 1496.

 

200 años de Richard Wagner.

Queridos amigos en la nota de hoy recordaremos los 200 años del nacimiento de unos de los grandes compositores de la Opera, idolatarado por Nietzsche, exaltado por Liszt, admirado por Hitler, Richard Wagner ejerció una particular fascinación no solo entre sus contemporáneos sino hasta nuestros días. ¿Quién fue este artista alemán cuya música se oyó tanto en los campos de concentración nazis como en ‘Apocalypse now’?,

Seguramente ningún músico ha despertado tantas pasiones encontradas como Wagner. Antisemita por deducción, nacionalista por ideología, militante político y crítico permanente de la manera como se conducía la música romántica de sus contemporáneos, Wagner era idolatrado por Nietzsche, identificado con las ideas de Schopenhauer, exaltado por Liszt, admirado por Verdi y el joven Gustav Mahler. En el rey Luis II de Baviera despertó una pasión más allá de la música y su relación escandalizó al reino por él precedido, al tiempo que le brindó la oportunidad de llevar a feliz término sus obras culminantes: ‘El anillo de los Nibelungos’, ‘Tristán e Isolda’, ‘Los maestros cantores de Nuremberg’ y ‘Parsifal’.

Wagner fue el compositor más revolucionario para la representación en la escena teatral y el músico más exigente para la conformación de la orquesta y la capacidad de los cantantes. Sus partituras y argumentos exultantes enaltecieron los sentimientos y buscaron en las profundidades del espíritu humano la razón de las emociones.Su influencia tanto en vida como después de muerto, hasta hoy, ha sido notable y seguramente contundente. Después de Wagner ya nada en la música siguió igual. Sobre todo la ópera, que él prefirió llamar “drama musical”, donde la redención, el caos y la debilidad de humanos y dioses sintonizan la decadencia de la civilización.El joven Adolf Hitler, aprendiz de pintor en Viena, tenía su música en la mejor de las estimas y asistía a las largas representaciones de pie, en lo más alto de la galería en la ópera de la capital austriaca, su país natal. Thomas Mann lo definió como “sufriente y grande” y a su obra la describió como “uno de los fenómenos más problemáticos, ambiguos y fascinantes del mundo de la creación artística”. En los campos de concentración alemán la ‘Cabalgata de las Valquirias’ amenizaba la conducción de los judíos hacia las cámaras de gas. Más recientemente la misma melodía orquestaba los bombardeos sobre Vietnam en la película de Coppola ‘Apocalipsis Now’. Wagner y Richard Strauss fueron prohibidos en Israel, ambos por sus peculiares declaraciones antisemitas. Todo esto para decir que el fenómeno Wagner no es fácil de abordar ni simple de describir. Curiosamente Daniel Borenboim, el famoso pianista y director argentino-judío luchó y convenció para que en todo el territorio palestino se volviera a imponer la música del compositor nacido en Leipzig hace exactamente doscientos años.

Creo que la música de Wagner es un gusto adquirido.Muchos melómanos rechazan o por lo menos tienen objeciones con respecto a sus composiciones. Incluso entre los amantes de la ópera hay quienes se abstienen de su audición y representaciones. El culto a Wagner es una secta. Una especie de club especial, excéntrico y elitista. La puesta en escena de sus óperas, especialmente las cuatro de la ‘Tetralogía’ constituyen un acontecimiento, el más alto costo para los teatros y ciudades que las montan. Contra todo pronóstico éstas se han multiplicado de manera sorprendente. Esa cita para el ‘Anillo’ con su prólogo y las tres jornadas, en el cual se invierten seis días, con razón se llama “peregrinación”.En “Parsifal” en la dirección de Thielemann con Plácido Domingo en el 2005, y luego bajo la batuta de Runnicles con Burkhard Fritz. “Parsifal” es más que la escenificación de un episodio sobre el santo Grial que contiene la sangre de Cristo. Habla de redención, de herida abierta que produce dolor, de celibato, de renunciamiento y sacrificio. Es un drama sagrado donde hay que abstenerse de aplaudir. Wagner no pensaba en dios sino en lo divino. Como aclara Cósima en el “Libro Marrón”: “Dios no es la luz que ilumina al mundo desde el exterior, sino la luz que proyectamos sobre él desde nuestro interior: es decir, el conocimiento por la compasión”.Esta ópera y los episodios que la rodearon marcó la ruptura entre Nietzsche y el compositor. Fue su último gran legado y obra culminante. Wagner eligió Venecia para su final. A orillas del Gran Canal murió en el palacio Vendramin, un último marco espléndido para su vida pasional. En un voluntario retiro. Estaba escribiendo un ensayo y la última frase que estampó fue: “No obstante, el proceso de emancipación de la mujer se produce sólo bajo convulsiones estáticas: Amor-Tragedia”. La pluma cayó de su mano. Nietzsche confesaría más tarde: “Lo he amado, a él y a nadie más”. También hay una frase en su “Zaratustra” que se le puede aplicar al músico: “En la soledad crece lo que se lleva dentro de uno, incluso la bestia interior”.Este mes en el mayor homenaje que podemos realizar los platenses al máximo compositor , se ofrece a todo el publico la gran opera "El Holandes errante" en el Teatro Argentino de la ciudad de La Plata.11 de octubre 2013.

L'Âge mûr de Camille Claudel.

En el taller donde Augusto Rodin se enfrentaba al mármol como una fuerza convulsa de la naturaleza, un día  entró a trabajar la escultora Camille Claudel, una joven de 19 años poseída de una belleza delicada y llena de talento. Era hermana del poeta, dramaturgo y diplomático Paul Claudel; había estudiado arte en la academia Colarussi y aunque Camille sólo quería aprender del maestro, muy pronto quedó enredada en la pasión desordenada de aquel salvaje. Rodin la hizo suya y entre ellos se estableció una relación tormentosa, neurótica y excitante, que daba frutos de primera calidad. Camille le ayudaba a esculpir, le servía de musa y de modelo, trabajó en las figuras de su obra monumental Las Puertas del Infierno, le inspiró otros trabajos, que firmó ella en su nombre y entre los dos hubo una colaboración no exenta de celos, puesto que el talento de Camille Claudel pronto fue reconocido fuera del taller cuando Octave Mirbeau proclamó públicamente su genio. En la famosa escultura El Beso tal vez era la propia Camille Claudel la protagonista. Esta incipiente gloria de su discípula laceraba el ego de Rodin, quien al mismo tiempo admiraba su toque personal femenino como parte de su propia alma.

Con esta joven se presentaba Rodin en las fiestas, realizaba largos viajes, se coronaba a sí mismo en público como amante, pero en la cocina y en la alcoba estaba la otra, la que le daba de comer de rodillas, la que le aplacaba la carne rudimentaria. Pese a que Rodin se había comprometido porcarta a casarse con Camille después de embarazarla varias veces sin resultadofeliz, al final ella se dio cuenta de que nunca lograría retener a su maestro.Rose Beuret lo tenía agarrado por el lado más ciego y en esa zona oscura delsubconsciente ella mandaba. Era madre de familia, criada, costurera, enfermeray aunque muchas veces esta rivalidad entre las dos mujeres llegó a las manos,también en la pelea era Rose Beuret la que arrastraba a aquella joven de lospelos por el suelo del taller. A Camille sólo le quedaba despedirse de sumaestro esculpiendo su dolor en un mármol excelso, L'Age mûr, en la que apareceella suplicante, con las manos tendidas hacia Rodin y a este dándole la espaldaarrastrado por un ángel caracterizado de bruja.

Los últimos amores despechados con Rodin los compartióCamille con el músico Claude Debussy, pero esta vez también fue batida porotras mujeres domésticas. En 1899 Debussy estaba casado con Rosalie Texier, ala que abandonó cinco años después para unirse a Emma Bardac, cantante, exesposa de banquero, que le dio un tormento de celos hasta conseguir que lahiciera su esposa. El músico jugaba a tres bandas. Camille Claudel trató devivir esta nueva pasión contra todas las reglas de la sociedad burguesa a laque escandalizaba con su libertad, pero tampoco Debussy apostó por ella másallá de la siesta del fauno, que después daría título a una famosa piezamusical.
Con el doble fracaso del corazón se iniciaron en Camille Claudel los primeros brotes de sus crisis nerviosas, pero su esquizofrenia iba creciendo pareja al éxito de su trabajo, cada día más reconocido por la crítica. Mientras las revistas de arte celebraban su talento, una extraña pulsión la inducía a destruir su obra como ella se estaba destruyendo a sí misma. Durante la inauguración de cualquier muestra de sus esculturas, rodeada de admiradores, la emprendía a martillazos contra los mármoles que había esculpido con tanta sensibilidad y no cesaba de golpearlos hasta verlos reducidos a esquirlas. La familia creía que su neurosis se debía a su vida disoluta. Excepto su padre que la defendió siempre, todos pensaron que debía ser internada, pero al morir su padre en 1919, el único que se oponía, Camille fue ingresada primero en el sanatorio de Ville-Evrard y poco después encerrada en el manicomio de Montdevergues. Su hermano Paul, el poeta, acababa de convertirse al catolicismo, conmovido por el impacto estético que le causó el entrar de improviso una noche de Navidad en la Notre-Dame durante la misa del gallo. Ni siquiera esta descarga de luz celestial sirvió para que ejerciera la caridad de atender la llamada de su hermana, que en los momentos de lucidez atormentada, le reclamaba que la sacara de aquel infierno. Camille permaneció en el manicomio los últimos treinta años de su vida. La familia prohibió que recibiera visitas y nadie fue nunca a verla.
Puede que Camille hubiera olvidado su propia memoria, pero aveces las nubes que oscurecían su cerebro se abrían y por un momento veía bailar algunas figuras en las sombras. Tal vez podía vislumbrarse cuando de niña en la Champagne jugaba con el barro y modelaba a su hermano Paul y a la criada Helène. O aquel día en que en el taller de Rodin inspiró al maestro su obra titulada Huye el amor, al pie de cuyo mármol, que trabajaron juntos, él la poseyó en el suelo por primera vez. Recordaría el viaje que hicieron a Roma y el éxtasis que experimentaron ante las esculturas de Bernini en la plaza Navona, aunque lasi mágenes se solapaban y no lograba distinguir si el que le hablaba con palabras ardientes en el oído era Debussy en unos pasadizos secretos de Venecia.

A la muerte de Paul Claudel, en 1955, se levantó el veto familiar que existía sobre la existencia de aquella mujer, que por lo visto servía de baldón para la buena fama del poeta católico. Cuando sus admiradores trataron de exhumar su cadáver para enterrarlo en un panteón de París y ofrecerle un homenaje público, en el manicomio contestaron que, debido a una sobras de ampliación del edificio, la tumba había desaparecido junto con la de otros pacientes olvidados por la familia.

 

Un retrato de la desesperacion.

 Escultura "LOS NAUFRAGOS" en el Paseo del Lago en la ciudad de La Plata.

Un sobrino nieto de Emilio Andina, el autor de la obra,cuenta que la escena representada en "Los Náufragos" ocurrió realmente. Al trasladarse el escultor de Europa a la Argentina el barco naufragó en las costas de Brasil. Andina habría visto la angustia de una familia con un niño pequeño en los brazos de la madre. Impactado por la escena juró que si se salvaba la dejaría testimoniada en una obra.

Y cumplió tallo la escultura y se erigió en el lago del bosque de la ciudad de La Plata ( mi amada ciudad), la obra muestra el dramatismo de una madre que mira al cielo como pidiendo clemencia al único que se la puede otorgar. Es inevitable preguntarse qué les espera en esa playa desconocida, de la que pueden, o no, ser rescatados.
Un siglo después de haber sido inaugurada, "Los náufragos" conserva intacto su dramatismo. Trasmite, como el primer día,la desesperación de una familia por sobrevivir. La crispación que muestran sus cuerpos, moldeados con absoluto realismo, sigue conmoviendo a los espectadores que no pueden pasar indiferentes frente a ese hombre que tiende el brazo a la nada, mientras la mujer se apoya en él y sostiene al niño con gesto desfalleciente.
Desde el punto de vista estético la descripción anatómica y fisonómica son verosímiles y de buen tratamiento. Y un detalle a tener encuenta: el mar también está tratado con extremo realismo e interactúa con las figuras obstaculizando su avance. El hombre y la mujer saben, con absoluta certeza, que la muerte puede ganar la partida
 Realizada en bronce,un material clásico para las esculturas al aire libre, esa familia al borde del abismo es todo un relato.
El artista Emilio Andina nació en Buenos Aires en 1875 ymurió en 1935. Se formó en Italia, en la prestigiosa Academia de Brera, donde estudió escultura y dibujo. Su estilo es realista, siguiendo la tradición escultórica del siglo XIX. En algunas de sus obras se acerca a posturas más expresionistas y por momentos roza temáticamente las tendencias de renuncia social del arte del siglo XIX, como ocurre en sus "Mineros",expuestos en la Exposición Permanente de Arte Lombardo. De modelado fácil,despliega en sus obras un sentido narrativo. Entre las mejores y más conocidas obras de Emilio Andina se incluyen las siguientes:
"El Trabajo", conocida como "el picapedrero" realizada en Italia antes de 1905. Se halla en el parque Patricios.Fue realizada como un homenaje a las luchas sociales llevadas a cabo por los picapedreros de Tandil.
Estatua La Flora Argentina, realizada en mármol y granito.Usualmente se halla en el Jardín Botánico de Buenos Aires. En 2009 fue expuestaen el Centro Cultural Recoleta.

 

GALA y DALÍ

Hoy queridos amigos les cuento una de las más extrañas y alucinantes historias de amor que conoció el mundo del arte.

Enigmática, elegante, culta , muy intuitiva, de potente sexualidad y libre de mente y de actitud, Elena Ivánovna Diakónova -verdadero nombre de Gala Dalí- fue sobre todo compañera inseparable y musa del pintor.Encarnación del concepto de mujer surrealista, fue tachada de manipuladora por algunos de los biógrafos de Dalí, mientras que otros estudios posteriores han visto en ella la “primera heroína posmoderna”, defensora silenciosa, con su vida y con sus hechos, de la igualdad para el sexo femenino.
GALA, la mujer de los ojos penetrantes y oscuros, no fue nunca una mujer hermosa, en la expresión exacta de la palabra, pero emanaba de ella tal carisma, que ningún hombre que la conociera, pudo jamás resistirse a su provocación. Una mujer que merece que su historia sea contada, leida einterpretada, la de esta musa que convirtió a un hombre -Salvador Dalí-, en un GENIO.
 Gala  pasó sus primeros años en Moscú junto con sufamilia, formada por sus padres, dos hermanos mayores (Vadim y Nicolái) y su hermana pequeña Lidia. Al morir su padre, cuando ella contaba solo once años,su madre contrajo segundas nupcias con un abogado de buena posición, lo que permitió a Gala cursar estudios, con éxito, en centros de prestigio.

El siguiente episodio conocido de la vida de Gala previo a su integración en el universo surrealista, es el agravamiento en 1912 de una afección tuberculosa que venía arrastrando desde algún tiempo atrás. Su familia decidió ingresarla en un famoso sanatorio suizo, Clavadel, donde conocería a Eugène Grindel, tambien internado en el sanatorio por  tratamiento durante dieciocho meses , luego sería  conocido con el  seudónimo Paul Ëluard , poeta francés nacido en  Saint-Denis con quien contrajo matrimonio en 1917.
Cuando salió de su internamiento conoció a algunos hombres;no eran los primeros para ella. Su vida sexual era muy agitada, tenía 20 años y le gustaba divertirse. También le gustaba el arte, ya que había sido criada en una familia de intelectuales.
Con pintores y escritores mantenía romances que se sucedían uno tras otro. Era la clase de mujer que no tiene ningún inconveniente en fotografiarse desnuda ni estar en una cama con dos hombres. Pero su lado espiritual la llevó a enamorarse de un poeta que sería uno de los más importantes del siglo: Paul Éluard.

Él la introdujo en el círculo de los surrealistas y ella aprovechó para tener algunas aventuras con André Breton, el jefe del movimiento, Max Ernst y algunos más.

En ese tiempo se convirtió en una musa para lossurrealistas. Éluard terminó casándose con ella y le sirvió de inspiración paramuchos de sus poemas de amor. De este matrimonio nació una hija Cecile, para laque Gala había sido una especie de "monstruo", carente de todoespíritu maternal y, a pesar de las infidelidades de su esposa, el poeta semantuvo a su lado. Ella abandonó su nombre ruso y, simplemente, se dejó llamarGala.

Salvador Dalí, diez años menor que Gala, había nacido enFigueres (Gerona) en 1904, marcado desde el momento de su venida al mundo porel episodio de la muerte de su hermano mayor, fallecido antes del nacimientodel pintor y de quien este heredó tanto el nombre de pila como una obsesiva responsabilidad para con su recuerdo.
Para ubicarnos un poquito en la forma en la que fue criado este fenomenal artista, piensen que a los 5 años sus padres lo llevaron haciala tumba de su hermano y lo convencieron que era su reencarnación… Dalí dijo:“Nos parecíamos como dos gotas de agua, pero dábamos reflejos diferentes".
Pocos años después, en la época en que Gala pasa a convertirse en la esposa de Éluard, Dalí es todavía un adolescente que no ha inaugurado aún sus primeras exposiciones, ya que de hecho acaba de descubrir el impresionismo a través de la colección de Ramón Pichot, coincidiendo con una temporada de estancia con la familia de este en la finca del Molí de la Torre, cerca de Figueres.
Éluard muchas veces alimentó los deseos de Gala. Le hablaba  de Salvador Dalí como un pintor de inmenso talento y muy buen mozo. No solamente hizo esto, sino que la llevó a la pequeña aldea española de Cadaqués un verano donde estaba el jovén artista surrealista  Salvador Dalí. Claro, se trataba de una reunión en la que había otros amigos surrealistas, Luis Buñuel, entre ellos.
En el instante que sus miradas se cruzaron Dalí vio en ella“la mujer que yo pintaba y con la que soñaba aún antes de conocerla.” Ella era Gala.
No se separó de Dalí nunca más, se convirtió en su musa, en su inspiración en su todo.
Al verla Dalí no tuvo ningún otro interés que conseguirla.
 Gala le llevaba 11años y era una mujer de una vida sexual muy liberal. Seguramente una relación con ella le traería problemas al artista, pero no pareció importarle. Para llamar la atención de Gala hizo cosas raras: se manchó la camisa con sangre, se puso estiércol y flores en las orejas para tener un olor atractivo, puso flores en su nariz. Las estrategias le dieron resultado. Gala se separó de Éluard y se fue a vivir con Dalí.
Dalí ni bien conocio a Gala le vino un recuerdo de su primera infancia  la irrupción en su vida de su futura compañera, mientras estudiaba con el maestro Esteban Trayter en la escuela pública de párvulos de Figueres, se sintió poderosamente atraído por lafotografía de una niña rusa, que subida en un trineo y envuelta en un abrigo de piel de oso blanco, huía de los lobos.

La relación con Gala provocó que el padre lo desheredara. A él no le importaba. Todo lo que quería en el mundo era a Gala. Estaba perdidamente enamorado de ella. Y no había dudas de que ella también lo estaba de él. Esto provocaba una clase de relación amorosa muy especial y bastante extraña, considerando la potente sexualidad de Gala y que Dalí fuera homosexual.
Todo cuanto se ha escrito sobre GALA nos la hace ver como una mujer ambiciosa, cruel y perversa, una persona sin escrúpulos, dispuesta a llegar a donde se propusiera con tal de obtener su anhelo; pero, no obstante,también, su persona encerraba ciertas cualidades, pues ejerció un don especial para atraer a innumerables artistas, además de Dalí, el que fuera su primer esposo, Paul Eluard, Max Ernst Giorgio de Chirico.
Una frase que corría de boca en boca por los círculos culturales de la época era que si alguien era capaz de crear una buena obra tenía que haberse "enamorado de Gala".
Y todo ello marcado por el impulso que fue fundamental en la vida de esta mujer extraordinaria, su sexo, que utilizó para amar, dominar,amaestrar, y hasta castigar;  ella, temas tan "opacos" como la masturbación, la sodomía y el terror sexual quetanto aterrorizaban a Dali, los convertía GALA en medio para que aquel diera forma a su inspiración. Ella insuflaba la condición humana artística de su esposo, de su amado y amante, SALVADOR DALI, era su alma.
Dalí ya tenía su musa inspiradora privada. Ella a su artista. Por supuesto lo representaba, encargándose de todos los negocios. Ella manejaba el dinero y la vida de Dalí. Lo que Gala, la esposa-madre decía, era lo que él aceptaba. Salvador aseguraba que gracias a ella había evitado la locura y la muerte, pues había pensado que estaba destinado a morir joven. Desde la primera vez que se encontraron en la Costa Brava, DALI quedó esclavizado, por un ángel, pero un ángel oscuro y dominador,pero fue esa la esencia de la relación entre ambos, ella le ayudaba a que DALI diera de sí mismo todo aquello que por sí sólo jamás hubiera conseguido.
La inmensa proyección que GALA consiguió sobre DALI fue hacer de éste un ser completo, ella fue siempre consciente de la necesidades de él, de sus carencias. Le acopló, le formó, unión casi perfecta.

Claro que en el matrimonio  ocurrieron cosas poco habituales. Una de ellas fue que el matrimonio jamás se consumó, es decir, Dalí y Gala nunca mantuvieron relaciones sexuales con penetración. Esto, según el pintor, se debía a que ella era una diosa y no podía ser mancillada.

Mientras Dalí no tocaba a su mujer-diosa, ella se acostabacon una gran cantidad de hombres y de mujeres. Pero nunca lo engañó. Siempre le dijo con quién se acostaba e, incluso, tuvo muchos actos sexuales que Dalí presenció. Era una de las cosas que más deleitaba al pintor: ver sus actos sexuales.

Gala presentaba sus amantes, siempre muy jóvenes, a Dalí. Éllos recibía con mucho afecto y se encargaba de hacerles regalos muy generosos.Como él y su esposa dormían en cuartos separados, algunas noches, el pintorgolpeaba a su puerta. Gala, acostada con alguno de sus amantes, dejaba entrar a su marido para que pudiera contemplar sus coitos.
Cuando se estudió la personalidad de Dalí, los psicólogos afirmaron que padecía de candaulismo, una variante del voyeurismo. El término candaulismo deriva del nombre del rey Candaules, que obligó a su mujer a desnudarse frente a un esclavo y consiste en exponer desnuda a la persona quese tiene como pareja a la mirada de otro con una intención sexual y a llevarla a cometer actos sexuales completos en muchos casos.

Por supuesto el objetivo es lograr excitación sexual que no se consigue que de otra forma sería imposible. Esto, dicen, le pasaba a Dalí.Lo que Gala hacía sexualmente con Dalí no era nuevo para ella, ya lo había hecho mucho antes de él. Simplemente Dalí y ella realizaban sus juegos amorosos como mejor les parecía. A ella le gustaba que la mirasen estar con varios hombres y mujeres a la vez. Él disfrutaba mirando y, de vez en cuando, se acoplaba al acto. Dalí jamás le fue infiel, decía que era imposible traicionara su sombra. Ella lo acompañaba a todas partes, era su amuleto de buena suerte.Cada exposición, cada discurso, cada premio que recibía, no tenían ningún valor si ella no lo compartía con él.

Salvador y Gala estuvieron juntos toda su vida. Eran inseparables. Ella lo ayudó en todo lo que pudo y él hizo lo mismo por ella.Dalí le compró a Gala un castillo en el pequeño pueblo de Púbol (provincia de Girona), al que él no podía acceder sin el permiso previo y por escrito de su esposa. Allí pasaba Gala cortas temporadas veraniegas y allí también recibía asus amantes.
Siempre se rumoreó que Gala malbarató el arte de Dalí, alhacerle producir cantidades ingentes de cuadros, con la finalidad de obtener beneficios, pero lo realmente cierto es que esta mujer, menuda y racial fue una fanática de lo que de especial encerraba este hombre inédito, por diferente, y por extraño, y ello fue lo que le sirvió para crear su obra: Salvador Dalí.

Gala es la clave que nos revela el temperamento y la obra de Salvador Dalí, es la llave que nos abre las puertas de su universo, plagado defobias, miedos, angustias, represión, un hombre que le tenía auténtico PANICO a la mujer, obsesionado además por un padre posesivo.
Ambos eran amantes de la buena vida, despilfarraron rápidamente todo lo que tenían y pronto se vieron con grandes dificultades económicas. Pero juntos también disfrutaron las épocas de gloria, del triunfo espectacular de Salvador Dalí. Y sobre todo de la plena realización de ambos através del amor. Y como jamás les importó el qué dirán, contrajeron matrimonio por lo civil en 1934 y en 1958, muerto Éluard, tuvo lugar la ceremonia religiosa en el santuario de Els Ángels, cerca de Gerona, España.

Dalí la inmortalizó en muchas obras de arte y, de una manera poco usual, la amó profundamente. Gala sintió lo mismo por él. Quizás resulte difícil entender que dos personas tengan un matrimonio así. Pero, se entienda o no, ellos se quisieron intensamente, vivieron juntos 50 años y solo se separaron cuando Gala murió, en 1982,
a los 89 años, dejó al pintor sumido en la mas profunda tristeza.
 A tal extremo llegó la influencia que esta mujer; controvertida, ambiciosa, ambigüa, ejerció sobre Dalí, que cuando ella  fallece el pintor decidió encerrarse en la habitación de ella, cerró las cortinas, manteniendo el recinto en la mayor oscuridad y se negó a comer, provocándose una malnutrición.Y ello porque creía que se ahogaría hasta morir si comía algun alimento. Esa era una de sus fobias, pero siempre contó con la presencia de Gala para calmarle, para indicarle que estaba equivocado, y para borrar todos sus miedos.
 Había desaparecido su musa,su esposa, su madre, su amante, la mujer que le enseñó y le llevó a vivir una experiencia vital excepcional y de la que nos ha dejado una extensísima manifestación: su obra pictórica. Y así, siguió viviendo como un monje declausura, de cuyo enclaustramiento salió sólo para ser enterrado, el 23 de enero de 1989 acausa de un problema cardíaco y una neumonía.
Gala descansa en el castillo de Púbol, donde Dalí diseñó dos tumbas contiguas con orificios laterales para que ambos pudieran entrelazar sus manos para toda la eternidad. Pero en sus últimos días, el artista pidió ser enterrado en la cripta del Museo Teatro de Figueras. Alrededor de 40 kilómetros les separan para siempre. Por disposición suya, todos sus bienes y su obra pertenecen al estado español.

Amigos, compañeros, cómplices, locos lunáticos, almas gemelas....... Está claro que no fueron para nada una pareja convencional, pero lo que también dejaron muy claro es que se quisieron intensamente, que vivieron juntos cincuenta años y que sólo la muerte los separó.

Yacía el poeta no a los pies de la musa, sino agotado sobre sus pechos. Por Rodin Il poeta e la Musa (San Pietroburgo, Hermitage)

La inspiración artística.

 La inspiración se refiere a una explosión de la creatividad inconsciente en una obra literaria, musical, o de otra actividad artística. El concepto tiene su origen tanto en el helenismo y el judaísmo. Los griegos creían que la inspiración vino de las musas, así como de los dioses Apolo y Dionisos. Del mismo modo, en las religiones antiguas nórdicas, la inspiración proviene de los dioses, como Odin. La inspiración es también una cuestión divina en hebreo poética. En el libro de Amos, el profeta habla de ser abrumado por la voz de Dios y obligado a hablar. En el cristianismo, la inspiración es un don del Espíritu Santo.

"La inspiración del poeta." Óleo sobre lienzo por Nicolas Poussin.Museo de LOUVRE, Paris Francia
En el siglo 18 filósofo John Locke propuso un modelo de la mente humana en el que las ideas se asocian o resuenan entre sí en la mente. En el siglo 19, los poetas románticos como Coleridge y Shelley creía que la inspiración vino de un poeta, porque el poeta estaba en sintonía con los "vientos", y porque el alma del poeta era capaz de recibir este tipo de visiones. En el siglo 20, Psicoanalista Sigmund Freud encuentra inspiración en la psique del artista. Teoría de la inspiración del psiquiatra Carl Gustav Jung sugiere que un artista es alguien que estaba en sintonía con la memoria racial, que codifica los arquetipos de la mente humana.
La teoría marxista del arte lo ve como la expresión de la fricción entre la base económica y la superestructura posiciones económicas, o como un diálogo consciente de las ideologías en competencia, o como la explotación de una "fisura" en la ideología de la clase dominante. En la inspiración moderna psicología no se estudia con frecuencia, pero es generalmente visto como un proceso completamente interno.

Historia de los conceptos

Modelos antiguos de inspiración

En el pensamiento griego, la inspiración hizo que el poeta o el artista entrarían en éxtasis o furor poeticus, el frenesí divino o locura poética. Él o ella será transportado más allá de su propia mente y dado los dioses o diosas propios pensamientos para encarnar.
La inspiración es anterior a la conciencia y fuera de habilidad. La técnica y el rendimiento son independientes de la inspiración, por lo que es posible que la falta de poeta para inspirarse y para un poeta o la habilidad del pintor a ser insuficiente para la inspiración. En hebreo, la poética, la inspiración es igualmente una cuestión divina. En el libro de Amos, 3:08 el profeta habla de ser abrumado por la voz de Dios y obligado a hablar. Sin embargo, la inspiración es también una cuestión de la revelación de los profetas, y los dos conceptos se entremezclan en algún grado. La revelación es un proceso consciente, donde el escritor o pintor es consciente e interactiva con la visión, mientras que la inspiración es involuntaria y recibidos sin ninguna comprensión completa.
En el cristianismo, la inspiración es un don del Espíritu Santo. San Pablo dijo que toda la Biblia es inspirada por Dios, y el relato de Pentecostés registra el Espíritu Santo descendiendo con el sonido de un fuerte viento. Esta comprensión de la "inspiración" es vital para aquellos que mantienen la literalidad bíblica, para los autores de las Escrituras, de ser poseído por la voz de Dios, no "filtro" o interponer su visión personal sobre el texto. Para padres de la iglesia como San Jerónimo, David era el poeta perfecto, pues mejor negociado entre el impulso divino y la conciencia humana.
En las sociedades del norte, como en nórdico antiguo, la inspiración se asocia asimismo con un regalo de los dioses. Al igual que con las literaturas griega, latina y Romance, bardos escandinavos fueron inspirados por un estado mágico y divino y forma de las palabras con sus mentes conscientes. Su entrenamiento era un intento de aprender a dar forma a las fuerzas más allá de lo humano. En el relato del Venerable Beda de Caedmon, las tradiciones cristianas y posteriormente se combinan germánica. Caedmon era un pastor sin ningún entrenamiento o habilidad en verso. Una noche, tuvo un sueño en el que Jesús le pidió que cantara. Luego compuso Himno de Caedmon, ya partir de entonces fue un gran poeta. La inspiración en la historia es el producto de la gracia: es no buscado, sin control, e irresistible, y el rendimiento del poeta consiste en toda su mente y el cuerpo, pero es fundamentalmente un don.

Modelos ilustrados y románticos

En el siglo 18 en Inglaterra, la psicología naciente compitió con una celebración renacentista de la naturaleza mística de la inspiración. Modelo de la mente humana de John Locke sugirió que las ideas se asocian entre sí y que una cadena en la mente puede ser golpeada por una idea resonante. Por lo tanto, la inspiración era una asociación poco al azar, pero totalmente naturales de las ideas y al unísono repentino del pensamiento. Además, la psicología de Locke sugirió que un sentido natural o la calidad de la mente personas que pueden ver la unidad en las percepciones y para discernir las diferencias en los grupos. Esta "fantasía" y "el ingenio", como más tarde fueron llamados, eran facultades naturales y desarrollados que podrían explicar en mayor o menor conocimiento e inspiración para poetas y pintores.
El modelo musical fue satirizado, junto con los modelos de "fantasía" de inspiración inspiración y, por Jonathan Swift en un cuento de una tina. Narrador de Swift sugiere que la locura es contagiosa porque es una nota de llamada que golpea "acordes" en la mente de los seguidores y que la diferencia entre un preso de Bedlam y un emperador era lo que paso la idea era una locura. Al mismo tiempo, se satirizó "inspirados" ministros protestantes radicales que predicaban a través de "inspiración directa." En sus materiales introductorios, describe púlpito del disidente ideal como un barril con un tubo que va desde posterior del ministro a un conjunto de fuelle en la parte inferior, por lo que el ministro podría ser inflado hasta el punto de que podía gritar su inspiración a la congregación. Además, Swift vio elegante como una cualidad loco antirracional, donde, "una vez la fantasía de un hombre tiene montado en su razón, el sentido común se kick't al aire libre."
Las teorías divergentes de la inspiración que Swift satirizó continuaría, al lado del otro, a través de los siglos 18 y 19. Conjeturas de Edward jóvenes en la composición original fue fundamental en la formulación de las nociones románticas de inspiración. Dijo que el genio es "el dios interior» al poeta que proporciona la inspiración. Así, Young estuvo de acuerdo con los psicólogos que se sitúen inspiración dentro de la mente personal y aún así plantear una cualidad sobrenatural. Genio era una fuente inexplicable, posiblemente espiritual y posiblemente externo, de la inspiración. En el esquema de Young, el genio era todavía algo externo en su origen, pero los poetas románticos pronto localizar su origen totalmente dentro de la poeta. Escritores románticos como Ralph Waldo Emerson, y Percy Bysshe Shelley veían la inspiración en términos similares a los griegos: se trataba de una cuestión de locura e irracionalidad.
La inspiración vino porque el propio poeta atento a los "vientos" y porque fue hecho de tal manera que se reciben tales visiones. Relatos de inspiración de Samuel Taylor Coleridge fueron los más dramáticos, y su The Harp Eolian fue sólo el mejor de los muchos poemas románticos escribirían comparando la poesía a una recepción pasiva y canalización natural de los vientos divinos. La historia que contó sobre la composición de Kubla Khan tiene el poeta reducido al nivel de escribano. William Butler Yeats más tarde experimentar y escritura automática de valor. La inspiración era la evidencia del genio, y el genio era algo que el poeta podía enorgullecerse, aunque no podía decir que ha creado él mismo.

Conceptos modernistas y modernos

Sigmund Freud y otros psicólogos posteriores encuentran inspiración en la psique del artista. La inspiración de la artista salió de conflicto psicológico no resuelto o trauma infantil. Además, la inspiración puede venir directamente del subconsciente. Al igual que la teoría de genio romántico y el concepto renovado de "frenesí poético," Freud vio a artistas como fundamentalmente especial, y fundamentalmente heridos. Porque Freud encuentra inspiración en la mente subconsciente, los artistas surrealistas buscaban esta forma de inspiración recurriendo a los diarios de sueño y la escritura automática, el uso de tablas de Ouija y encontró la poesía para tratar de aprovechar lo que veían como la verdadera fuente del arte. La teoría de la inspiración de Carl Gustav Jung reiteró el otro lado de la noción romántica de la inspiración indirectamente por lo que sugiere que un artista es alguien que estaba en sintonía con algo impersonal, algo fuera de la experiencia individual: la memoria racial.
Teorías materialistas de la inspiración divergen de nuevo entre las fuentes puramente internas y puramente externo. Karl Marx no trató el tema directamente, pero la teoría marxista del arte lo ve como la expresión de la fricción entre la base económica y la superestructura posiciones económicas, o como un diálogo consciente de las ideologías en competencia, o como la explotación de una "fisura" en la ideología de la clase dominante. Por lo tanto, donde se han registrado las escuelas totalmente marxistas de arte, como el realismo soviético, el pintor o poeta "inspirado" también fue el pintor más conciencia de clase o un poeta, y "formalismo" fue rechazada explícitamente como decadente. Fuera de las escuelas marxistas patrocinados por el estado, el marxismo ha mantenido su énfasis en la conciencia de clase del pintor o un poeta inspirado, pero se ha dado cabida a lo que Frederic Jameson llama "inconsciente político" que pudiera estar presente en la obra de arte. Sin embargo, en cada uno de estos casos, la inspiración viene de la artista son especialmente adaptados para recibir las señales de una crisis externa.
En la psicología moderna, la inspiración no se estudia con frecuencia, pero es generalmente visto como un proceso completamente interno. En cada punto de vista, sin embargo, si empirista o místico, la inspiración es, por su naturaleza, fuera de control

ARTE.INSPIRACION Heinrich Heine y la musa de la poesía